Der Film basiert auf einem Gedicht von Robert Lax (einem der bedeutendsten Vertreter der Minimal-Poesie) über die griechische Insel Kalymnos. Genau 60 Jahre später stellt sich die Frage, wie das Gedicht in der heutigen Zeit visuell umgesetzt werden kann, unter Berücksichtigung der Auswirkungen der Klimakrise, von der auch Griechenland stark betroffen ist.

In diesem animierten Kurzfilm trifft Lotte Reiniger auf Sergio Leone, wo die Begierde so hell lodert wie die Wüstensonne. Ein brandneuer animierter Kurzfilm, der im Juni 2025 Premiere feierte und nun erfolgreich auf verschiedenen Festivals zu sehen ist. 

Wahrscheinlich hatten viele Menschen in ihrer Kindheit eine Keksdose, in der sie ihre geheimsten Schätze aufbewahrten: alte Familienfotos, Figuren, Aufkleber, Videokassetten und geheime Erinnerungen. Wie viele Schachteln braucht man, um all seine Erinnerungsstücke aufzubewahren? Ist es möglich, einen geliebten Menschen in einer solchen Schachtel vor dem Krieg zu retten und an einen sicheren Ort zu bringen? Angie Siverias Gedicht ist eine Reflexion über den andauernden Krieg in der Ukraine und ihre Kindheit in Donezk, das derzeit vorübergehend besetzt ist. Dieser Poesiefilm handelt davon, wie Menschen ihre Kindheit und alles und jeden, der damit verbunden ist, retten und an einen sicheren Ort mitnehmen wollen. Das animierte Video wurde als offizielles Musikvideo zu Oskar Schusters Stück „Miramis“ erstellt.

Der Animationsfilm „Gedicht ohne uns“, der auf dem gleichnamigen Gedicht von Clemens Schittko basiert, ist eine Reflexion über das Verhältnis von Natur und Kultur, über das Benennen, Systematisieren und Kartografieren von Landschaften; ein sanfter Blick auf eine Welt ohne Menschen und eine sprachlich-magische Beschwörung der Spree mit ihren Nebenflüssen und Seitenarmen. Die Filmbilder sind mit Eitempera handgemalt.

Als der Filmemacher seine Mutter besucht, bittet er sie, ihm aus seinem alten Grundschulbuch vorzulesen. Er begibt sich auf eine unerwartete Reise – es ist ein Abschied von ihrer gemeinsamen Vergangenheit und einem Leben, das sie einst teilten. „Read Me Goodbye“ ist ein dokumentarisches Gedicht, das auf Wilhelm Buschs Tierfabel „Fink und Frosch“ basiert.

Ein Video-Essay, der ein Performance-Kunstprojekt reflektiert, bei dem ein Gedicht von Rilke 1.000 Mal an verschiedenen Orten in Berlin vor Fremden vorgetragen wird.

Der Protagonist von „Syntax in Space“ sieht in einem Bruchteil einer Sekunde, kurz vor seinem Tod, sein Leben vor seinem inneren Auge wie einen Traum. Er sitzt im Backstage-Bereich eines Theaters in einer verlassenen Stadt und beobachtet, wie sein eigenes Ich auf sich selbst zugeht. Als er sein Gesicht erblickt, gibt er sich dieser Begegnung mit seiner inneren Landschaft hin. Er beginnt, in den Raum dieses Klartraums, seiner Erinnerungen, einzutreten; er sieht sich selbst als jungen Mann in der Nähe einer Frau. Während er weiter in die verlassene Stadt hineinschlendert, stößt er auf die Geschichte seines Landes. Er fragt sich: „Warum wachst du auf?“, spürt deren Verbindung zur Gegenwart und erwacht zu der Gewissheit: „Jemand muss aufwachen.“
In Syntax in Space verschmelzen unterschiedliche Welten und ihre einzigartigen Sprachen zu einer Einheit durch die Kraft des gesprochenen wie auch des gezeichneten Wortes, die Kraft der Körpersprache im Raum und die Kraft des Films. Gemeinsam schmieden sie das stille Rätsel der Sprache der Träume und die widersprüchliche Erfahrung der inneren Landschaft, durch die der von Lutz Förster gespielte Protagonist in seinen Gedanken wandert. Über 40 Jahre lang führte Förster in der Compagnie von Pina Bausch ein Solo in Gebärdensprache auf, und nachdem er diese 2016 verlassen hatte, kehrt er für „Syntax in Space“ in einer Begegnung mit dem gehörlosen Tänzer Pierre Geagea und der jungen Tänzerin Alexandra Aidu erstmals zur Kunst des gebärdeten Ausdrucks zurück. Gleichzeitig schildert er die Irrwege der Protagonisten in den gesprochenen Worten von Heiner Müller, Franz Kafka und Fabiane Kemmann. Sie gliedern den Film in drei Akte, die von einem Soundtrack von Nico van Wersch untermalt werden, der aus mehreren Musikschichten besteht und in der Nähe von Berlin in der ehemals größten sowjetischen Militäranlage außerhalb der Sowjetunion, die heute verlassen ist, aufgenommen wurde.

Der digitale Avatar eines Poeten findet sich in einer Abwärtsspirale wieder. Ringend zwischen Nihilismus und Hoffnung und der widersprüchlichen Gleichzeitigkeit der Realität. Was als innerer Monolog beginnt, wird zur Konfrontation mit der Außenwelt, die zu zerfallen droht. Und einer Konfrontation mit sich selbst, während das lyrische Ich diese Welt zu navigieren versucht.Vor dem Hintergrund globaler Krisen – Klimakollaps, autoritäre Tendenzen, gesellschaftliche Spaltung – verhandelt der Film die Zerbrechlichkeit von Hoffnung in Zeiten, in denen Optimismus fast obszön wirkt. Düster-animierte Settings und ein treibender Klangteppich begleiten den Poeten durch den Versuch, an eine bessere Zukunft zu glauben, während die eigene pessimistische Haltung genau diesen Versuch unterwandert. Murphy war ein Optimist  stellt sich die Frage, wie umkämpft Hoffnung sein muss, um wahrhaftig zu sein. Und ob gut gemeinte Kalendersprüche ausreichend sind, einer real bedrohlichen Welt zu begegnen. Ein Film zwischen aktivem Handeln und Resignation.

In seinem Gedicht „burak“ schafft Ozan Zakariya Keskinkılıç eine geheimnisvolle Atmosphäre, in der queeres Verlangen, sakrale Bildsprache und die Aufhebung der Grenzen zwischen Natur und städtischem Raum aufeinandertreffen. Der Film fängt die Suche der Protagonisten in einer geheimnisvollen Atmosphäre ein, die von Neugier und Sehnsucht geprägt ist, und regt zum Nachdenken über die Schnittstellen zwischen dem Sakralen, dem Sinnlichen und dem Surrealen an.

In his poem “burak,” Ozan Zakariya Keskinkılıç conjures a mysterious atmosphere where queer desire, sacred imagery, and the dissolution of boundaries between nature and urban spaces converge.The film captures the protagonists’ search in a mysterious atmosphere, filled with curiosity and longing, inviting reflections on the intersections of the sacred, the sensual, and the surreal.

Ein Paar drückt seine Liebe durch das Glas aus.

Ausgehend von Nora Gomringers Gedicht „Sandmänner“ untersucht "why?" die Bedingungen menschlichen Daseins im 21.Jahrhundert. Der Film versteht sich als poetisch-analytische Intervention in eine Gegenwart, die von Beschleunigung, Kontrolle und moralischer Erosion geprägt ist. Im Zentrum steht der Mensch als politischer Körper: wachgehalten, funktionalisiert, permanent adressiert. Schlaf, Angst und Aufmerksamkeit werden zu Schauplätzen von Macht. Moral erscheint nicht mehr als stabile Kategorie, sondern als fragile Praxis unter ökonomischem, medialem und algorithmischem Druck. why? operiert in einer aufgebrochenen Zeitstruktur. Vergangenheit, Gegenwart und prognostizierte Zukunft überlagern sich. Die filmische Sprache arbeitet mit Fragmentierung, Wiederholung und Störung, um die Unmöglichkeit linearer Sinnstiftung sichtbar zu machen. Der Poetry Film verweigert eindeutige Antworten. Stattdessen fragt er nach Verantwortung in einem System, das Verantwortung systematisch verteilt, delegiert und neutralisiert. Menschlichkeit erscheint hier nicht als gegeben, sondern alsumkämpfte Haltung.
 

Zwischen digitaler Nähe, Beobachtung und Missverständnis entsteht eine fragile Zone, in der ein Klick, ein Smiley oder ein falsches Wort alles kippen kann.

„understory“ ist ein poetisches Märchen über die transformative Kraft des Erzählens. Es ist eine Geschichte von Verbundenheit, die sich inmitten der dunkelsten Farne der Verzweiflung findet.Es ist eine Geschichte darüber, eine Geschichte – und all ihre Narben – jemandem ganz und gar zu offenbaren, jemandem, dessen Schmerz man gut kennt, da man ihn zuvor im Spiegelbild gesehen hat. understory fragt uns: Was verbirgt sich hinter dem Märchen? Hinter den Geschichten, die wir schon immer kannten? Was finden wir unter den Geschichten, die wir uns über die Welt, über einander und darüber, wer wir sind, erzählen? Und welche Geschichten erfinden wir, um die Geheimnisse zu verbergen, die wir tief in unsere blutenden Herzen gesteckt haben? Tale versucht ständig, eine Liebesgeschichte zu schreiben, um sich selbst zu retten. Dann treffen sie im Wald auf Fairy – und beginnen gemeinsam, in der Vergangenheit des anderen nach Brotkrumen zu suchen. In der Hoffnung, einen Weg aus dem dunklen Dickicht zu finden, das sie gewachsen haben, um alle fernzuhalten, ist es keine geringe Herausforderung, sich zu öffnen und ihre wahrhaftigsten Geschichten miteinander zu teilen. Und sie beginnen sich zu fragen, ob es wirklich die Liebe ist, die sie retten wird. Oder wird das Erzählen ihrer Geschichte den Bann brechen?
Mit Eileen Uméh als Fairy und Ella Schetter als Tale ist „Understory“ die zweite Poesiefilmproduktion der Dichterin Kate MacAlister und des Protestfotografen und bildenden Künstlers Moritz V:3res.